@Heinsenberg

LA STORIA DELLA PRINCIPESSA SPLENDENTE
"La storia della Principessa Splendente" ("かぐや姫の物語 - Kaguya-hime no monogatari", lett. "La Principessa Splendente del flessuoso bambù") di Isao Takahata; Giappone, 2013; colori, 137' (2 h 17 min); animazione/fantasy; tratto dall'antica fiaba giapponese "Taketori monogatari".
Un tagliatore di bambù trova un giorno una bambina nata da una canna di bambù e decide di prendersene cura assieme alla moglie. Considerandola una principessa, i genitori adottivi si trasferiscono nella capitale assieme alla bambina per educarla e farla diventare una principessa a tutti gli effetti.

In un'epoca imprecisata, su una montagna del Giappone, un tagliatore di bambù un giorno trova, all'interno del fusto di una canna, una bambina che splende di luce propria. La porta a casa e decide di prendersene cura assieme a sua moglie. Ritenendola un dono degli dei, le danno il nome di Principessa (in giapponese "Kaguya-hime") cresce felice nella sua famiglia adottiva e diventa una bellissima donna, e la famiglia, arricchitasi grazie a tutto l'oro trovato dal tagliatore di bambù, si trasferisce assieme a lei nella capitale e cerca di tenerla al riparo da occhi indiscreti, considerando Principessa come un tesoro del cielo. La ragazza, inizialmente, non contenta di aver lasciato il luogo dove era cresciuta e gli amici che aveva conosciuto, si rifiuta di obbedire alla sua istitutrice, la signora Sagami. Dopo un po' di tempo, tuttavia, le cose cambiano: le viene imposto il nuovo nome di "Principessa Splendente" e, circondata da servitori ed ancelle, è costretta ad imparare tutti i comportamenti aggraziati che una giovane nobile deve mantenere in società. La sua fama di fanciulla bella e leggiadra oltre ogni dire si diffonde rapidamente, tanto da suscitare l'interesse di importanti dignitari di corte e perfino dell'imperatore, che chiedono la sua mano. Principessa Splendente, però, nasconde un segreto che non può rivelare a nessuno, e presto sarà costretta a tornare nel luogo da cui è venuta.

"La storia della principessa splendente" è, a mio parere, il miglior film dello studio Ghibli a livello di animazione. Gli sfondi e i secondi piani, infatti, sono dipinti ad acquarello e le figure in movimento a pastello. La scena in cui si vede maggiormente questa tecnica di disegno sono quelle della fuga di Principessa da palazzo, in cui ogni figura è in movimento, quindi disegnata a pastello (il tutto con la straordinaria musica del maestro Joe Isaishi in sottofondo). C'è poi un'altra sequenza, a livello di animazione, stupefacente: in questa si vede invece la protagonista che vola nei cieli sopra la montagna dove è cresciuta assieme al suo più grande amico d'infanzia, Sutemaru. Mentre le loro sagome volteggiano nell'aria, sullo sfondo si vede il paesaggio che sembra scorrere sotto di loro, disegnato con una tecnica che solo un genio come Takahata poteva inserire dentro a un film. Ma ciò che mi ha colpito e mi è piaciuto particolarmente di questo film non è solo l'animazione, ma i temi trattati nel film: "La storia della principessa splendente" non solo racconta una fiaba che racchiude la storia e la cultura del popolo giapponese, in quanto conosciuta da tutti, quindi rappresentante una popolazione, ma anche le credenze religiose e la vita dopo la morte. Questi due elementi ci vengono presentati nella magica scena finale, dove una processione formata da cori, musicisti, danzatori e un carro dove a bordo siede Buddha discende solennemente dal cielo sulla terra sulle note di una musica felice e armoniosa, ritmata da tamburi e flauti, ma dal significato lugubre, in quanto richiama i brani eseguiti durante i funerali in molte parti dell'Asia. Questo ci fa capire che dopo la vita c'è una seconda vita sulla Luna, il luogo da cui noi siamo stati gettati sulla terra e dove siamo destinati a vivere la nostra seconda vita eterna, dimenticandoci completamente di ciò che ci è successo sulla terra e facendo sparire paure, ansie e preoccupazioni ma anche felicità, allegria e divertimento, facendoci entrare in uno stato di serietà privo di sentimenti. Questa è una visione della vita dopo la morte presente solo nella cultura giapponese.


LA STORIA DELLA PRINCIPESSA SPLENDENTE
&quot;La storia della Principessa Splendente&quot; (&quot;かぐや姫の物語 - Kaguya-hime no monogatari&quot;, lett. &quot;La Principessa Splendente del flessuoso bambù&quot;) di Isao Takahata; Giappone, 2013; colori, 137&#039; (2 h 17 min); animazione/fantasy; tratto dall&#039;antica fiaba giapponese &quot;Taketori monogatari&quot;.
Un tagliatore di bambù trova un giorno una bambina nata da una canna di bambù e decide di prendersene cura assieme alla moglie. Considerandola una principessa, i genitori adottivi si trasferiscono nella capitale assieme alla bambina per educarla e farla diventare una principessa a tutti gli effetti.

In un&#039;epoca imprecisata, su una montagna del Giappone, un tagliatore di bambù un giorno trova, all&#039;interno del fusto di una canna, una bambina che splende di luce propria. La porta a casa e decide di prendersene cura assieme a sua moglie. Ritenendola un dono degli dei, le danno il nome di Principessa (in giapponese &quot;Kaguya-hime&quot;) cresce felice nella sua famiglia adottiva e diventa una bellissima donna, e la famiglia, arricchitasi grazie a tutto l&#039;oro trovato dal tagliatore di bambù, si trasferisce assieme a lei nella capitale e cerca di tenerla al riparo da occhi indiscreti, considerando Principessa come un tesoro del cielo. La ragazza, inizialmente, non contenta di aver lasciato il luogo dove era cresciuta e gli amici che aveva conosciuto, si rifiuta di obbedire alla sua istitutrice, la signora Sagami. Dopo un po&#039; di tempo, tuttavia, le cose cambiano: le viene imposto il nuovo nome di &quot;Principessa Splendente&quot; e, circondata da servitori ed ancelle, è costretta ad imparare tutti i comportamenti aggraziati che una giovane nobile deve mantenere in società. La sua fama di fanciulla bella e leggiadra oltre ogni dire si diffonde rapidamente, tanto da suscitare l&#039;interesse di importanti dignitari di corte e perfino dell&#039;imperatore, che chiedono la sua mano. Principessa Splendente, però, nasconde un segreto che non può rivelare a nessuno, e presto sarà costretta a tornare nel luogo da cui è venuta.

&quot;La storia della principessa splendente&quot; è, a mio parere, il miglior film dello studio Ghibli a livello di animazione. Gli sfondi e i secondi piani, infatti, sono dipinti ad acquarello e le figure in movimento a pastello. La scena in cui si vede maggiormente questa tecnica di disegno sono quelle della fuga di Principessa da palazzo, in cui ogni figura è in movimento, quindi disegnata a pastello (il tutto con la straordinaria musica del maestro Joe Isaishi in sottofondo). C&#039;è poi un&#039;altra sequenza, a livello di animazione, stupefacente: in questa si vede invece la protagonista che vola nei cieli sopra la montagna dove è cresciuta assieme al suo più grande amico d&#039;infanzia, Sutemaru. Mentre le loro sagome volteggiano nell&#039;aria, sullo sfondo si vede il paesaggio che sembra scorrere sotto di loro, disegnato con una tecnica che solo un genio come Takahata poteva inserire dentro a un film. Ma ciò che mi ha colpito e mi è piaciuto particolarmente di questo film non è solo l&#039;animazione, ma i temi trattati nel film: &quot;La storia della principessa splendente&quot; non solo racconta una fiaba che racchiude la storia e la cultura del popolo giapponese, in quanto conosciuta da tutti, quindi rappresentante una popolazione, ma anche le credenze religiose e la vita dopo la morte. Questi due elementi ci vengono presentati nella magica scena finale, dove una processione formata da cori, musicisti, danzatori e un carro dove a bordo siede Buddha discende solennemente dal cielo sulla terra sulle note di una musica felice e armoniosa, ritmata da tamburi e flauti, ma dal significato lugubre, in quanto richiama i brani eseguiti durante i funerali in molte parti dell&#039;Asia. Questo ci fa capire che dopo la vita c&#039;è una seconda vita sulla Luna, il luogo da cui noi siamo stati gettati sulla terra e dove siamo destinati a vivere la nostra seconda vita eterna, dimenticandoci completamente di ciò che ci è successo sulla terra e facendo sparire paure, ansie e preoccupazioni ma anche felicità, allegria e divertimento, facendoci entrare in uno stato di serietà privo di sentimenti. Questa è una visione della vita dopo la morte presente solo nella cultura giapponese.
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LA STORIA DELLA PRINCIPESSA SPLENDENTE 
"La storia della Principessa Splendente" ("かぐや姫の物語 - Kaguya-hime no monogatari", lett. "La Principessa Splendente del flessuoso bambù") di Isao Takahata; Giappone, 2013; colori, 137' (2 h 17 min); animazione/fantasy; tratto dall'antica fiaba giapponese "Taketori monogatari". 
Un tagliatore di bambù trova un giorno una bambina nata da una canna di bambù e decide di prendersene cura assieme alla moglie. Considerandola una principessa, i genitori adottivi si trasferiscono nella capitale assieme alla bambina per educarla e farla diventare una principessa a tutti gli effetti. 
 
In un'epoca imprecisata, su una montagna del Giappone, un tagliatore di bambù un giorno trova, all'interno del fusto di una canna, una bambina che splende di luce propria. La porta a casa e decide di prendersene cura assieme a sua moglie. Ritenendola un dono degli dei, le danno il nome di Principessa (in giapponese "Kaguya-hime") cresce felice nella sua famiglia adottiva e diventa una bellissima donna, e la famiglia, arricchitasi grazie a tutto l'oro trovato dal tagliatore di bambù, si trasferisce assieme a lei nella capitale e cerca di tenerla al riparo da occhi indiscreti, considerando Principessa come un tesoro del cielo. La ragazza, inizialmente, non contenta di aver lasciato il luogo dove era cresciuta e gli amici che aveva conosciuto, si rifiuta di obbedire alla sua istitutrice, la signora Sagami. Dopo un po' di tempo, tuttavia, le cose cambiano: le viene imposto il nuovo nome di "Principessa Splendente" e, circondata da servitori ed ancelle, è costretta ad imparare tutti i comportamenti aggraziati che una giovane nobile deve mantenere in società. La sua fama di fanciulla bella e leggiadra oltre ogni dire si diffonde rapidamente, tanto da suscitare l'interesse di importanti dignitari di corte e perfino dell'imperatore, che chiedono la sua mano. Principessa Splendente, però, nasconde un segreto che non può rivelare a nessuno, e presto sarà costretta a tornare nel luogo da cui è venuta. 
 
"La storia della principessa splendente" è, a mio parere, il miglior film dello studio Ghibli a livello di animazione. Gli sfondi e i secondi piani, infatti, sono dipinti ad acquarello e le figure in movimento a pastello. La scena in cui si vede maggiormente questa tecnica di disegno sono quelle della fuga di Principessa da palazzo, in cui ogni figura è in movimento, quindi disegnata a pastello (il tutto con la straordinaria musica del maestro Joe Isaishi in sottofondo). C'è poi un'altra sequenza, a livello di animazione, stupefacente: in questa si vede invece la protagonista che vola nei cieli sopra la montagna dove è cresciuta assieme al suo più grande amico d'infanzia, Sutemaru. Mentre le loro sagome volteggiano nell'aria, sullo sfondo si vede il paesaggio che sembra scorrere sotto di loro, disegnato con una tecnica che solo un genio come Takahata poteva inserire dentro a un film. Ma ciò che mi ha colpito e mi è piaciuto particolarmente di questo film non è solo l'animazione, ma i temi trattati nel film: "La storia della principessa splendente" non solo racconta una fiaba che racchiude la storia e la cultura del popolo giapponese, in quanto conosciuta da tutti, quindi rappresentante una popolazione, ma anche le credenze religiose e la vita dopo la morte. Questi due elementi ci vengono presentati nella magica scena finale, dove una processione formata da cori, musicisti, danzatori e un carro dove a bordo siede Buddha discende solennemente dal cielo sulla terra sulle note di una musica felice e armoniosa, ritmata da tamburi e flauti, ma dal significato lugubre, in quanto richiama i brani eseguiti durante i funerali in molte parti dell'Asia. Questo ci fa capire che dopo la vita c'è una seconda vita sulla Luna, il luogo da cui noi siamo stati gettati sulla terra e dove siamo destinati a vivere la nostra seconda vita eterna, dimenticandoci completamente di ciò che ci è successo sulla terra e facendo sparire paure, ansie e preoccupazioni ma anche felicità, allegria e divertimento, facendoci entrare in uno stato di serietà privo di sentimenti. Questa è una visione della vita dopo la morte presente solo nella cultura giapponese.

★ Recensione n. 16 ★

LA CITTÀ INCANTATA
"La città incantata" ("千と千尋の神隠し - Sen to Chihiro no kamikakushi?", "La sparizione causata dai kami di Sen e Chihiro") di Hayao Miyazaki; Giappone, 2001; colori, 125' (2 h 5 min); animazione/fantasy.
Chihiro è una bambina di dieci anni che, durante il viaggio per raggiungere la nuova casa in cui si deve trasferire, si ferma con i suoi genitori in una città fantasma governata da una strega malvagia con al suo seguito antiche divinità e creature magiche.

Chihiro e i suoi genitori decidono di trasferirsi in una nuova città. Durante il viaggio, tuttavia, il padre percorre la strada sbagliata e la macchina si ferma di fronte a un tunnel. La famiglia lo attraversa e raggiunge una città completamente formata da ristoranti, locali e da un enorme complesso termale. Trovato un buffet sul bancone di un chiosco, i genitori di Chihiro, mentre quest'ultima è in esplorazione, iniziano a divorare tutto il cibo fino a quando si trasformano in maiali. Chihiro scopre che colei che ha lanciato l'incantesimo è la strega Yubaba, che gestisce anche il complesso termale della città, il quale attira una grande moltitudine di clienti. Con l'aiuto di Haku, un giovane al servizio di Yubaba, e di Kamagi, che si occupa di scaldare l'acqua delle vasche, la protagonista riesce a trovare lavoro nell'impianto e ha la possibilità di restare nella città: lei, infatti, non la lascerà senza aver riportato i suoi genitori al loro aspetto originale.

Questo, che a prima vista può sembrare un film animato di produzione giapponese come tanti altri, si tratta in realtà del film anime per eccellenza: è proprio grazie a "La città incantata" che i film del regista pluripremiato Hayao Miyazaki sono approdati in Occidente, riscuotendo un successo mondiale, grazie al Premio Oscar ricevuto nel 2003 (Premio al miglior film d'animazione, il primo anime a ricevere un Oscar). Ma cosa rende così speciale questo lungometraggio? Innanzitutto, è altamente visivo: le immagini ricche di minuziosi particolari giocano un ruolo veramente fondamentale; la rappresentazione del cibo riesce a far percepire nello spettatore tutti i suoi elementi: l'odore, il sapore, la consistenza. C'è poi la fedelissima rappresentazione dell'architettura giapponese utilizzata per l'aspetto della città (Miyazaki si ispirò a molti palazzi e castelli per la struttura del complesso termale). È presente persino una scena diventata indimenticabilmente iconica: la scena del treno, in cui le immagini di Miyazaki si fondono con la melodiosa e soave musica composta dal maestro Joe Isaishi, creando una sintonia poeticamente piena d'armonia che, riuscendo a trasmettere un senso di tranquillità e pace, rendono questa scena unica e irripetibile. 
Un altro elemento molto importante sono i temi narrati. Questi elementi sono davvero importanti, perché sono proprio quelli di questo film che hanno fatto capire al pubblico e alla critica che i film di animazione non sono solo un genere cinematografico per bambini, ma una forma di linguaggio anche rivolta agli adulti. Le tematiche trattate ne "La città incantata" sono le seguenti: oltre all'amicizia, all'amore, alla gentilezza e all'altruismo, l'ecologismo, il totalitarismo, il recupero delle tradizioni, delle leggende e del culto giapponese, la maturazione del protagonista (elemento che rende il film simile a un romanzo di formazione). 
Per fare un'analisi completa di questo film una recensione lunga una pagina non basterebbe, ma qui sopra ho riportato le cose più importanti.
Ora, ci tengo a inserire una piccola parte personale, relativa a ciò che ho provato io durante il film. La mia parte preferita, oltre a quella del treno, è paradossalmente quella dei titoli di coda, perché, in sottofondo, si sente quella che a mio parere è la miglior canzone che sia stata scritta per la colonna sonora di un film. La canzone in questione si chiama "Itsumo nando demo", conosciuta anche come "Always with me", composta e interpretata dalla cantante Youmi Kimura. Ciò che rende così bella questa canzone è la soave voce della cantante accompagnata non da un'orchestra o da un gruppo di strumenti musicali, ma solamente dal suono dolce e cristallino di una lira. Il testo, pieno di parole di affetto e malinconia, riesce sempre a fare scendere una lacrima a chi la ascolta.
"La città incantata" non è solo un film d'animazione, ma anche un'opera d'arte capace di affascinare sia bambini che adulti, anche chi non prova interesse verso l'animazione giapponese; questo film è destinato a durare nel tempo e sicuramente rimarrà per sempre il film anime più famoso e più apprezzato della storia del cinema.


LA CITTÀ INCANTATA
&quot;La città incantata&quot; (&quot;千と千尋の神隠し - Sen to Chihiro no kamikakushi?&quot;, &quot;La sparizione causata dai kami di Sen e Chihiro&quot;) di Hayao Miyazaki; Giappone, 2001; colori, 125&#039; (2 h 5 min); animazione/fantasy.
Chihiro è una bambina di dieci anni che, durante il viaggio per raggiungere la nuova casa in cui si deve trasferire, si ferma con i suoi genitori in una città fantasma governata da una strega malvagia con al suo seguito antiche divinità e creature magiche.

Chihiro e i suoi genitori decidono di trasferirsi in una nuova città. Durante il viaggio, tuttavia, il padre percorre la strada sbagliata e la macchina si ferma di fronte a un tunnel. La famiglia lo attraversa e raggiunge una città completamente formata da ristoranti, locali e da un enorme complesso termale. Trovato un buffet sul bancone di un chiosco, i genitori di Chihiro, mentre quest&#039;ultima è in esplorazione, iniziano a divorare tutto il cibo fino a quando si trasformano in maiali. Chihiro scopre che colei che ha lanciato l&#039;incantesimo è la strega Yubaba, che gestisce anche il complesso termale della città, il quale attira una grande moltitudine di clienti. Con l&#039;aiuto di Haku, un giovane al servizio di Yubaba, e di Kamagi, che si occupa di scaldare l&#039;acqua delle vasche, la protagonista riesce a trovare lavoro nell&#039;impianto e ha la possibilità di restare nella città: lei, infatti, non la lascerà senza aver riportato i suoi genitori al loro aspetto originale.

Questo, che a prima vista può sembrare un film animato di produzione giapponese come tanti altri, si tratta in realtà del film anime per eccellenza: è proprio grazie a &quot;La città incantata&quot; che i film del regista pluripremiato Hayao Miyazaki sono approdati in Occidente, riscuotendo un successo mondiale, grazie al Premio Oscar ricevuto nel 2003 (Premio al miglior film d&#039;animazione, il primo anime a ricevere un Oscar). Ma cosa rende così speciale questo lungometraggio? Innanzitutto, è altamente visivo: le immagini ricche di minuziosi particolari giocano un ruolo veramente fondamentale; la rappresentazione del cibo riesce a far percepire nello spettatore tutti i suoi elementi: l&#039;odore, il sapore, la consistenza. C&#039;è poi la fedelissima rappresentazione dell&#039;architettura giapponese utilizzata per l&#039;aspetto della città (Miyazaki si ispirò a molti palazzi e castelli per la struttura del complesso termale). È presente persino una scena diventata indimenticabilmente iconica: la scena del treno, in cui le immagini di Miyazaki si fondono con la melodiosa e soave musica composta dal maestro Joe Isaishi, creando una sintonia poeticamente piena d&#039;armonia che, riuscendo a trasmettere un senso di tranquillità e pace, rendono questa scena unica e irripetibile. 
Un altro elemento molto importante sono i temi narrati. Questi elementi sono davvero importanti, perché sono proprio quelli di questo film che hanno fatto capire al pubblico e alla critica che i film di animazione non sono solo un genere cinematografico per bambini, ma una forma di linguaggio anche rivolta agli adulti. Le tematiche trattate ne &quot;La città incantata&quot; sono le seguenti: oltre all&#039;amicizia, all&#039;amore, alla gentilezza e all&#039;altruismo, l&#039;ecologismo, il totalitarismo, il recupero delle tradizioni, delle leggende e del culto giapponese, la maturazione del protagonista (elemento che rende il film simile a un romanzo di formazione). 
Per fare un&#039;analisi completa di questo film una recensione lunga una pagina non basterebbe, ma qui sopra ho riportato le cose più importanti.
Ora, ci tengo a inserire una piccola parte personale, relativa a ciò che ho provato io durante il film. La mia parte preferita, oltre a quella del treno, è paradossalmente quella dei titoli di coda, perché, in sottofondo, si sente quella che a mio parere è la miglior canzone che sia stata scritta per la colonna sonora di un film. La canzone in questione si chiama &quot;Itsumo nando demo&quot;, conosciuta anche come &quot;Always with me&quot;, composta e interpretata dalla cantante Youmi Kimura. Ciò che rende così bella questa canzone è la soave voce della cantante accompagnata non da un&#039;orchestra o da un gruppo di strumenti musicali, ma solamente dal suono dolce e cristallino di una lira. Il testo, pieno di parole di affetto e malinconia, riesce sempre a fare scendere una lacrima a chi la ascolta.
&quot;La città incantata&quot; non è solo un film d&#039;animazione, ma anche un&#039;opera d&#039;arte capace di affascinare sia bambini che adulti, anche chi non prova interesse verso l&#039;animazione giapponese; questo film è destinato a durare nel tempo e sicuramente rimarrà per sempre il film anime più famoso e più apprezzato della storia del cinema.
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LA CITTÀ INCANTATA 
"La città incantata" ("千と千尋の神隠し - Sen to Chihiro no kamikakushi?", "La sparizione causata dai kami di Sen e Chihiro") di Hayao Miyazaki; Giappone, 2001; colori, 125' (2 h 5 min); animazione/fantasy. 
Chihiro è una bambina di dieci anni che, durante il viaggio per raggiungere la nuova casa in cui si deve trasferire, si ferma con i suoi genitori in una città fantasma governata da una strega malvagia con al suo seguito antiche divinità e creature magiche. 
 
Chihiro e i suoi genitori decidono di trasferirsi in una nuova città. Durante il viaggio, tuttavia, il padre percorre la strada sbagliata e la macchina si ferma di fronte a un tunnel. La famiglia lo attraversa e raggiunge una città completamente formata da ristoranti, locali e da un enorme complesso termale. Trovato un buffet sul bancone di un chiosco, i genitori di Chihiro, mentre quest'ultima è in esplorazione, iniziano a divorare tutto il cibo fino a quando si trasformano in maiali. Chihiro scopre che colei che ha lanciato l'incantesimo è la strega Yubaba, che gestisce anche il complesso termale della città, il quale attira una grande moltitudine di clienti. Con l'aiuto di Haku, un giovane al servizio di Yubaba, e di Kamagi, che si occupa di scaldare l'acqua delle vasche, la protagonista riesce a trovare lavoro nell'impianto e ha la possibilità di restare nella città: lei, infatti, non la lascerà senza aver riportato i suoi genitori al loro aspetto originale. 
 
Questo, che a prima vista può sembrare un film animato di produzione giapponese come tanti altri, si tratta in realtà del film anime per eccellenza: è proprio grazie a "La città incantata" che i film del regista pluripremiato Hayao Miyazaki sono approdati in Occidente, riscuotendo un successo mondiale, grazie al Premio Oscar ricevuto nel 2003 (Premio al miglior film d'animazione, il primo anime a ricevere un Oscar). Ma cosa rende così speciale questo lungometraggio? Innanzitutto, è altamente visivo: le immagini ricche di minuziosi particolari giocano un ruolo veramente fondamentale; la rappresentazione del cibo riesce a far percepire nello spettatore tutti i suoi elementi: l'odore, il sapore, la consistenza. C'è poi la fedelissima rappresentazione dell'architettura giapponese utilizzata per l'aspetto della città (Miyazaki si ispirò a molti palazzi e castelli per la struttura del complesso termale). È presente persino una scena diventata indimenticabilmente iconica: la scena del treno, in cui le immagini di Miyazaki si fondono con la melodiosa e soave musica composta dal maestro Joe Isaishi, creando una sintonia poeticamente piena d'armonia che, riuscendo a trasmettere un senso di tranquillità e pace, rendono questa scena unica e irripetibile. 
Un altro elemento molto importante sono i temi narrati. Questi elementi sono davvero importanti, perché sono proprio quelli di questo film che hanno fatto capire al pubblico e alla critica che i film di animazione non sono solo un genere cinematografico per bambini, ma una forma di linguaggio anche rivolta agli adulti. Le tematiche trattate ne "La città incantata" sono le seguenti: oltre all'amicizia, all'amore, alla gentilezza e all'altruismo, l'ecologismo, il totalitarismo, il recupero delle tradizioni, delle leggende e del culto giapponese, la maturazione del protagonista (elemento che rende il film simile a un romanzo di formazione). 
Per fare un'analisi completa di questo film una recensione lunga una pagina non basterebbe, ma qui sopra ho riportato le cose più importanti. 
Ora, ci tengo a inserire una piccola parte personale, relativa a ciò che ho provato io durante il film. La mia parte preferita, oltre a quella del treno, è paradossalmente quella dei titoli di coda, perché, in sottofondo, si sente quella che a mio parere è la miglior canzone che sia stata scritta per la colonna sonora di un film. La canzone in questione si chiama "Itsumo nando demo", conosciuta anche come "Always with me", composta e interpretata dalla cantante Youmi Kimura. Ciò che rende così bella questa canzone è la soave voce della cantante accompagnata non da un'orchestra o da un gruppo di strumenti musicali, ma solamente dal suono dolce e cristallino di una lira. Il testo, pieno di parole di affetto e malinconia, riesce sempre a fare scendere una lacrima a chi la ascolta. 
"La città incantata" non è solo un film d'animazione, ma anche un'opera d'arte capace di affascinare sia bambini che adulti, anche chi non prova interesse verso l'animazione giapponese; questo film è destinato a durare nel tempo e sicuramente rimarrà per sempre il film anime più famoso e più apprezzato della storia del cinema.

★ Recensione n. 15 ★

BARRY LYNDON
Barry Lyndon di Stanley Kubrick con Ryan O’Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali e Patrick Magee; USA, 1975; colori, 184' (3 h 4 min); storico; tratto dal romanzo “Le memorie di Barry Lyndon” di William Makepeace Thackeray.
Un giovane avventuriero irlandese dalle origini modeste tenta la scalata alla ricchezza e ai privilegi.

XVIII secolo. Redmond Barry è un giovane irlandese di umili origini, innamorato della cugina Nora Brady. Tuttavia quest’ultima conosce il capitano di un reggimento militare inglese, John Quin, che si trova in Irlanda in cerca di uomini da arruolare; Barry, pieno di invidia, sfida a duello il capitano e lo uccide. Si ritrova costretto a fuggire a Dublino ma lungo la strada viene assalito dai briganti e derubato di tutti i suoi averi. Giunto alla città più vicina, incontra un ufficiale che sta arruolando uomini per la guerra: per riscattarsi, Redmond entra nell’esercito britannico. Dopo una lunga serie di avventure che lo condurranno in Europa, Barry, finita la guerra, diventa amico del Chevalier de Balibari, il quale gli fa conoscere, grazie alla sua passione verso il gioco d’azzardo, molti nobili influenti. Un giorno, Redmond incontra, al tavolo da gioco, l’affascinante Lady Honoria Lyndon, di cui si innamora perdutamente. Ma il matrimonio tra i due darà il via a una lunga serie di sventure.

Questo film è come un documentario: descrive in maniera veramente accurata lo stile di vita, i problemi e le differenziazioni sociali del 1700. Per di più, per ricreare l’atmosfera di quell’epoca, Kubrick, utilizzò solamente candele e lampade ad olio come illuminazioni (tecnica che verrà poi utilizzata dal regista Miloš Forman per il film “Amadeus” del 1984). È un film fortemente visivo, talmente ricco di immagini e riferimenti estetici (dovuti alle vastissime ricerche condotte dall'autore): la maggior parte delle inquadrature imita i quadri dipinti nel 1700, specialmente quelli di Hayez (in una scena, infatti, è presente una riproduzione del famoso Bacio), di Hogarth, di Watteau e di Zoffany. La colonna sonora è formata interamente da brani di musica classica composti da Bach, Schubert, Mozart e Händel, autore della celebre Sarabanda dalla Suite num. 4 in re minore HWV 437, tema principale del film. Diversi brani vennero riarrangiati dal compositore Leonard Rosenman. Solo per tutti questi elementi, che rendono “Barry Lyndon” il film con la ricostruzione del 1700 più accurata e fedele della storia del cinema, vale la pena vederlo. Poi la trama è abbastanza scorrevole e sono presenti alcune scene piene di tensione capaci di tenere lo spettatore con il fiato sospeso.

Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto:
https://www.youtube.com/watch?v=jNqdS8YEHMM


BARRY LYNDON
Barry Lyndon di Stanley Kubrick con Ryan O’Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali e Patrick Magee; USA, 1975; colori, 184&#039; (3 h 4 min); storico; tratto dal romanzo “Le memorie di Barry Lyndon” di William Makepeace Thackeray.
Un giovane avventuriero irlandese dalle origini modeste tenta la scalata alla ricchezza e ai privilegi.

XVIII secolo. Redmond Barry è un giovane irlandese di umili origini, innamorato della cugina Nora Brady. Tuttavia quest’ultima conosce il capitano di un reggimento militare inglese, John Quin, che si trova in Irlanda in cerca di uomini da arruolare; Barry, pieno di invidia, sfida a duello il capitano e lo uccide. Si ritrova costretto a fuggire a Dublino ma lungo la strada viene assalito dai briganti e derubato di tutti i suoi averi. Giunto alla città più vicina, incontra un ufficiale che sta arruolando uomini per la guerra: per riscattarsi, Redmond entra nell’esercito britannico. Dopo una lunga serie di avventure che lo condurranno in Europa, Barry, finita la guerra, diventa amico del Chevalier de Balibari, il quale gli fa conoscere, grazie alla sua passione verso il gioco d’azzardo, molti nobili influenti. Un giorno, Redmond incontra, al tavolo da gioco, l’affascinante Lady Honoria Lyndon, di cui si innamora perdutamente. Ma il matrimonio tra i due darà il via a una lunga serie di sventure.

Questo film è come un documentario: descrive in maniera veramente accurata lo stile di vita, i problemi e le differenziazioni sociali del 1700. Per di più, per ricreare l’atmosfera di quell’epoca, Kubrick, utilizzò solamente candele e lampade ad olio come illuminazioni (tecnica che verrà poi utilizzata dal regista Miloš Forman per il film “Amadeus” del 1984). È un film fortemente visivo, talmente ricco di immagini e riferimenti estetici (dovuti alle vastissime ricerche condotte dall&#039;autore): la maggior parte delle inquadrature imita i quadri dipinti nel 1700, specialmente quelli di Hayez (in una scena, infatti, è presente una riproduzione del famoso Bacio), di Hogarth, di Watteau e di Zoffany. La colonna sonora è formata interamente da brani di musica classica composti da Bach, Schubert, Mozart e Händel, autore della celebre Sarabanda dalla Suite num. 4 in re minore HWV 437, tema principale del film. Diversi brani vennero riarrangiati dal compositore Leonard Rosenman. Solo per tutti questi elementi, che rendono “Barry Lyndon” il film con la ricostruzione del 1700 più accurata e fedele della storia del cinema, vale la pena vederlo. Poi la trama è abbastanza scorrevole e sono presenti alcune scene piene di tensione capaci di tenere lo spettatore con il fiato sospeso.

Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto:
https://www.youtube.com/watch?v=jNqdS8YEHMM
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BARRY LYNDON 
Barry Lyndon di Stanley Kubrick con Ryan O’Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali e Patrick Magee; USA, 1975; colori, 184' (3 h 4 min); storico; tratto dal romanzo “Le memorie di Barry Lyndon” di William Makepeace Thackeray. 
Un giovane avventuriero irlandese dalle origini modeste tenta la scalata alla ricchezza e ai privilegi. 
 
XVIII secolo. Redmond Barry è un giovane irlandese di umili origini, innamorato della cugina Nora Brady. Tuttavia quest’ultima conosce il capitano di un reggimento militare inglese, John Quin, che si trova in Irlanda in cerca di uomini da arruolare; Barry, pieno di invidia, sfida a duello il capitano e lo uccide. Si ritrova costretto a fuggire a Dublino ma lungo la strada viene assalito dai briganti e derubato di tutti i suoi averi. Giunto alla città più vicina, incontra un ufficiale che sta arruolando uomini per la guerra: per riscattarsi, Redmond entra nell’esercito britannico. Dopo una lunga serie di avventure che lo condurranno in Europa, Barry, finita la guerra, diventa amico del Chevalier de Balibari, il quale gli fa conoscere, grazie alla sua passione verso il gioco d’azzardo, molti nobili influenti. Un giorno, Redmond incontra, al tavolo da gioco, l’affascinante Lady Honoria Lyndon, di cui si innamora perdutamente. Ma il matrimonio tra i due darà il via a una lunga serie di sventure. 
 
Questo film è come un documentario: descrive in maniera veramente accurata lo stile di vita, i problemi e le differenziazioni sociali del 1700. Per di più, per ricreare l’atmosfera di quell’epoca, Kubrick, utilizzò solamente candele e lampade ad olio come illuminazioni (tecnica che verrà poi utilizzata dal regista Miloš Forman per il film “Amadeus” del 1984). È un film fortemente visivo, talmente ricco di immagini e riferimenti estetici (dovuti alle vastissime ricerche condotte dall'autore): la maggior parte delle inquadrature imita i quadri dipinti nel 1700, specialmente quelli di Hayez (in una scena, infatti, è presente una riproduzione del famoso Bacio), di Hogarth, di Watteau e di Zoffany. La colonna sonora è formata interamente da brani di musica classica composti da Bach, Schubert, Mozart e Händel, autore della celebre Sarabanda dalla Suite num. 4 in re minore HWV 437, tema principale del film. Diversi brani vennero riarrangiati dal compositore Leonard Rosenman. Solo per tutti questi elementi, che rendono “Barry Lyndon” il film con la ricostruzione del 1700 più accurata e fedele della storia del cinema, vale la pena vederlo. Poi la trama è abbastanza scorrevole e sono presenti alcune scene piene di tensione capaci di tenere lo spettatore con il fiato sospeso. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=jNqdS8YEHMM" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=jNqdS8YEHMM</a>

★ Recensione n. 14 ★

JESUS CHRIST SUPERSTAR
Jesus Christ Superstar di Norman Jewison con Ted Neeley, Carl Anderson, Yvonne Elliman e Bob Bingham; USA, 1973; colori, 108' (1 h 48 min); musical/storico.
Il film, tratto dall’omonimo musical di Andrew Lloyd Webber, racconta dell’ultima settimana di vita di Gesù Cristo fino alla sua crocifissione, dal punto di vista del discepolo Giuda Iscariota.

Un gruppo di attori giunge in Israele per mettere in scena il musical “Jesus Christ Superstar”. Giuda è in preda ai dubbi e sta vivendo un enorme conflitto: dal suo punto di vista Gesù ha perso il controllo della situazione e ha smarrito quelli che erano i loro obiettivi iniziali; teme che i Romani possano reprimerli con la violenza da un momento all'altro e pensa che rivolgersi alle alte cariche giudee per un consiglio sia la cosa migliore da fare. Espone la questione ai Sommi Sacerdoti, i quali lo convincono che effettivamente Gesù è fuori controllo e deve essere arrestato, anche per il suo stesso bene. Il Sinedrio gli offre un sacchetto con 30 denari d'argento per la sua collaborazione. Giuda inizialmente rifiuta ma alla fine cede, non trovando altra soluzione e facendosi convincere a usare quei soldi come offerta per i poveri, come è nella sua indole altruista. Accetta dunque di consegnare Gesù, al quale gli assicurano non sarà torto un capello, mentre si trova lontano dalle folle così da evitare una rivolta; rivela che giovedì sera lo potranno trovare, da solo, nel giardino di Getsemani. 

Avevo intenzione di vedere questo film per la musica di Andrew Lloyd Webber, autore di un musical che mi era piaciuto moltissimo, cioè “Evita”, ma sono rimasto parecchio deluso. La musica è sì orecchiabile, ma, oltre alle canzoni “Superstar” e “Heaven on their minds”, non c’è nessuna melodia che rimanga impressa nella mente dello spettatore. La messa in scena è priva di pathos e non riesce a valorizzare né, a livello psicologico, i personaggi, né i luoghi in cui è ambientato il film, nonostante siano elementi chiave. La trama non è scorrevole. La cornice del film (gli attori che mettono in scena il musical) la trovo alquanto insensata. Concludo dicendo che “Jesus Christ Superstar” sia uno dei film più noiosi che io abbia visto.

Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto:
https://www.youtube.com/watch?v=hIe8GA3VvYg


JESUS CHRIST SUPERSTAR
Jesus Christ Superstar di Norman Jewison con Ted Neeley, Carl Anderson, Yvonne Elliman e Bob Bingham; USA, 1973; colori, 108&#039; (1 h 48 min); musical/storico.
Il film, tratto dall’omonimo musical di Andrew Lloyd Webber, racconta dell’ultima settimana di vita di Gesù Cristo fino alla sua crocifissione, dal punto di vista del discepolo Giuda Iscariota.

Un gruppo di attori giunge in Israele per mettere in scena il musical “Jesus Christ Superstar”. Giuda è in preda ai dubbi e sta vivendo un enorme conflitto: dal suo punto di vista Gesù ha perso il controllo della situazione e ha smarrito quelli che erano i loro obiettivi iniziali; teme che i Romani possano reprimerli con la violenza da un momento all&#039;altro e pensa che rivolgersi alle alte cariche giudee per un consiglio sia la cosa migliore da fare. Espone la questione ai Sommi Sacerdoti, i quali lo convincono che effettivamente Gesù è fuori controllo e deve essere arrestato, anche per il suo stesso bene. Il Sinedrio gli offre un sacchetto con 30 denari d&#039;argento per la sua collaborazione. Giuda inizialmente rifiuta ma alla fine cede, non trovando altra soluzione e facendosi convincere a usare quei soldi come offerta per i poveri, come è nella sua indole altruista. Accetta dunque di consegnare Gesù, al quale gli assicurano non sarà torto un capello, mentre si trova lontano dalle folle così da evitare una rivolta; rivela che giovedì sera lo potranno trovare, da solo, nel giardino di Getsemani. 

Avevo intenzione di vedere questo film per la musica di Andrew Lloyd Webber, autore di un musical che mi era piaciuto moltissimo, cioè “Evita”, ma sono rimasto parecchio deluso. La musica è sì orecchiabile, ma, oltre alle canzoni “Superstar” e “Heaven on their minds”, non c’è nessuna melodia che rimanga impressa nella mente dello spettatore. La messa in scena è priva di pathos e non riesce a valorizzare né, a livello psicologico, i personaggi, né i luoghi in cui è ambientato il film, nonostante siano elementi chiave. La trama non è scorrevole. La cornice del film (gli attori che mettono in scena il musical) la trovo alquanto insensata. Concludo dicendo che “Jesus Christ Superstar” sia uno dei film più noiosi che io abbia visto.

Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto:
https://www.youtube.com/watch?v=hIe8GA3VvYg
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JESUS CHRIST SUPERSTAR 
Jesus Christ Superstar di Norman Jewison con Ted Neeley, Carl Anderson, Yvonne Elliman e Bob Bingham; USA, 1973; colori, 108' (1 h 48 min); musical/storico. 
Il film, tratto dall’omonimo musical di Andrew Lloyd Webber, racconta dell’ultima settimana di vita di Gesù Cristo fino alla sua crocifissione, dal punto di vista del discepolo Giuda Iscariota. 
 
Un gruppo di attori giunge in Israele per mettere in scena il musical “Jesus Christ Superstar”. Giuda è in preda ai dubbi e sta vivendo un enorme conflitto: dal suo punto di vista Gesù ha perso il controllo della situazione e ha smarrito quelli che erano i loro obiettivi iniziali; teme che i Romani possano reprimerli con la violenza da un momento all'altro e pensa che rivolgersi alle alte cariche giudee per un consiglio sia la cosa migliore da fare. Espone la questione ai Sommi Sacerdoti, i quali lo convincono che effettivamente Gesù è fuori controllo e deve essere arrestato, anche per il suo stesso bene. Il Sinedrio gli offre un sacchetto con 30 denari d'argento per la sua collaborazione. Giuda inizialmente rifiuta ma alla fine cede, non trovando altra soluzione e facendosi convincere a usare quei soldi come offerta per i poveri, come è nella sua indole altruista. Accetta dunque di consegnare Gesù, al quale gli assicurano non sarà torto un capello, mentre si trova lontano dalle folle così da evitare una rivolta; rivela che giovedì sera lo potranno trovare, da solo, nel giardino di Getsemani. 
 
Avevo intenzione di vedere questo film per la musica di Andrew Lloyd Webber, autore di un musical che mi era piaciuto moltissimo, cioè “Evita”, ma sono rimasto parecchio deluso. La musica è sì orecchiabile, ma, oltre alle canzoni “Superstar” e “Heaven on their minds”, non c’è nessuna melodia che rimanga impressa nella mente dello spettatore. La messa in scena è priva di pathos e non riesce a valorizzare né, a livello psicologico, i personaggi, né i luoghi in cui è ambientato il film, nonostante siano elementi chiave. La trama non è scorrevole. La cornice del film (gli attori che mettono in scena il musical) la trovo alquanto insensata. Concludo dicendo che “Jesus Christ Superstar” sia uno dei film più noiosi che io abbia visto. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
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★ Recensione n. 13 ★

TAXI DRIVER 
Taxi Driver di Martin Scorsese con Robert De Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel e Cybill Shepherd; USA, 1976; colori, 115' (1 h 55 min); thriller. 
Un tassista di New York dal carattere sensibile e solitario scivola lentamente in una spirale di follia che lo spinge a ribellarsi in maniera violenta alle ingiustizie di una società corrotta e alienante. 
 
Travis Bickle è un tassista di New York disadattato e alienato, ex Marine in Vietnam congedato da due anni, che soffre di un'insonnia cronica che lo porta a lavorare come tassista di notte, quando la città già devastata dal degrado lascia emergere il suo peggio (prostitute, drogati, pervertiti ecc.), passando il tempo libero in uno squattrinato cinema pornografico o in compagnia dei suoi colleghi. Il giovane è affascinato da Betsy, un'impiegata dello staff del senatore Charles Palantine, candidato alle elezioni. Durante un loro appuntamento, però, Travis porta la ragazza in un cinema porno e lei si offende: il tassista, deluso dal suo comportamento e urlandole contro che è “come tutti gli altri”. La solitudine di Travis e il suo odio verso il mondo criminale della sua città fa crescere in lui un sentimento di frustrazione, al punto di acquistare delle pistole e uccidere a sangue freddo ogni delinquente che gli capiti sotto gli occhi e, quasi come per vendicarsi con Betsy, cerca persino di assassinare il senatore Palantine. Si pone, inoltre, l'obiettivo di aiutare Iris, una prostituta tredicenne innamorata del suo protettore, Matthew, un pervertito che la maltratta e le somministra sostanze stupefacenti. 
 
Devo dire che inizialmente mi aspettavo che questo film non mi piacesse più di tanto, come è successo con gli altri film di Scorsese che ho visto: mi sbagliavo di grosso. Lo trovo a tratti molto simile a Joker (Todd Phillips, 2019): il protagonista è un ragazzo solo, in cerca di compagnia, con un odio profondo verso la feccia criminale della sua città, di cui talvolta è vittima. Per cui, quando ne ha la possibilità, cerca di vendicarsi con chi lo ha fatto soffrire. Un film che racconta la società in questo modo penso che dovrebbe essere visto a priori, anche per la trama scorrevole (elemento, però, presente principalmente solo nella seconda parte del film, in quanto nella prima ci sono stati dei momenti in cui mi sono annoiato), la colonna sonora di Bernard Herrmann e l’elemento caratteristico di questo film: Travis Bickle, un personaggio unico e immortale che, nel corso del tempo, è diventato uno dei più famosi e dei più amati. Ovviamente, l’interpretazione magistrale di De Niro (e anche il fantastico lavoro del suo doppiatore italiano, Ferruccio Amendola) ha contribuito a rendere questo film un cult, amato persino dalle nuove generazioni. La famosa scena in cui Robert De Niro si rivolge allo specchio e pronuncia la frase «You talkin' to me?» (in italiano: Ma dici a me?) è entrata a far parte dell'immaginario collettivo. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
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★ Recensione n. 12 ★

COLAZIONE DA TIFFANY 
Colazione da Tiffany (Breakfast at Tiffany's) di Blake Edwards con Audrey Hepburn, George Peppard, José Luis de Villalonga e Buddy Ebsen; USA, 1961; colori, 115' (1 h 55 min); romantico; tratto dall'omonimo romanzo di Truman Capote. 
In un condominio di Manhattan si incontrano lo squattrinato scrittore Paul e l'affascinante Holly, che è alla continua ricerca di un uomo facoltoso da sposare. 
 
Holly Golightly è una giovane ragazza che vive da più di un anno in un appartamento di Manhattan assieme al suo gatto a cui non ha ancora dato un nome. Ella è alla ricerca del suo posto nel mondo, un posto come la gioielleria Tiffany & Co., dove si sente protetta e al sicuro e che riesce a farle passare i suoi momenti di sconforto, quelli che chiama le sue "paturnie". Un giorno nell'appartamento sopra quello di Holly si trasferisce lo scrittore Paul Varjak: i due fanno subito amicizia. Il giorno in cui si conoscono Paul accompagna Holly alla prigione di Sing Sing in quanto la ragazza ha il compito di riferire, a sua insaputa, messaggi in codice all'avvocato O'Shaughnessy da parte del suo cliente, il mafioso Sally Tomato. Col passare del tempo Holly e Varjak (chiamato affettuosamente Fred dalla ragazza in quanto l'aspetto di lui le ricorda quello del fratello Fred) si innamorano l'uno dell'altra; ma Holly è intenzionata a sposare un uomo ricco e facoltoso, qualità che Paul non possiede. 
 
Il film è una commedia romantica in cui sono presenti alcune battute molto simpatiche. La trama è scorrevole, bella la colonna sonora (il brano Moon River, interpretato nel film dalla protagonista Holly, vinse l'Oscar come miglior canzone), ma l'elemento migliore del film è la caratterizzazione dei personaggi. La pellicola, infatti, fece molto successo soprattutto per il personaggio protagonista, interpretato da una delle attrici più brave, belle e famose della storia del cinema: la leggendaria Audrey Hepburn. Il personaggio che interpreta, quello di Holly, è quello di una ragazza carismatica, sognatrice, autoironica, amante della vita e degli animali, gentile, elegante (il tubino nero da lei indossato in gran parte del film è passato alla storia ed è attualmente uno dei costumi cinematografici più famosi): tutte queste caratteristiche la rendono uno dei personaggi più amati del cinema americano, così come l'attrice che lo interpreta, considerata un simbolo di bellezza ed eleganza persino dalle nuove generazioni. Inutile dire che la sua cover di Moon River, presente nel film, è la dimostrazione di quanto lei fosse brava e di quanta passione ci mettesse durante la recitazione. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://youtu.be/ZtZyvOZQHC4" target="_blank">https://youtu.be/ZtZyvOZQHC4</a>

★ Recensione n. 11 ★

MISSION 
Mission (The mission) di Roland Joffé con Robert De Niro, Jeremy Irons, Liam Neeson e Ray McAnally; USA, 1986; colori, 120' (2 h); storico. 
Un mercante di schiavi spagnolo in cerca redenzione, si unisce alla missione fondata da un gesuita in Sud America con lo scopo di convertire i nativi al cristianesimo. 
 
Nel XVII secolo il cardinale Altamirano invia un gesuita spagnolo, padre Gabriel, in Sud America per fondare una missione e convertire gli abitanti della foresta pluviale sotto le cascate dell'Iguazú, una tribù guaranì, al cristianesimo. Gabriel, nonostante l'aggressività dei nativi (che in precedenza avevano ucciso un altro missionario crocifiggendolo e gettandolo vivo dalle cascate), riesce ad avvicinarsi a loro grazie alla melodiosa musica del suo oboe. Al villaggio dei guaranì, però, giunge presto un gruppo di soldati spagnoli guidati dal capitano Rodrigo Mendoza, con il compito di schiavizzare o uccidere i membri della tribù. Successivamente, quando torna nella sua città, uccide il fratello a causa del loro amore verso la stessa donna e, dopo essere stato arrestato, viene mandato nella missione di padre Gabriel sopra le cascate dove, dopo difficilissime prove e punizione per espiare i propri peccati, viene finalmente perdonato dai preti lì presenti e dai guaranì. Ma la spietatezza degli spagnola continua a perseguitare la tribù: padre Gabriel e padre Rodrigo hanno il compito di proteggerla a costo della propria vita. 
 
Questo è uno dei miei film preferiti: ricco di elementi drammatici, romantici, religiosi e storici, Mission fornisce una ricostruzione molto accurata di quanto fossero crudeli e violenti gli spagnoli verso i nativi americani nel XVII secolo. La trama è molto scorrevole. L'ambientazione nella foresta pluviale posta attorno alle maestose Cascate dell'Iguazú è di una bellezza stupefacente. Le interpretazioni di Irons e De Niro sono magistrali (io, personalmente, mi sono commosso in alcuni momenti a causa della loro bravura). Ma l'elemento chiave di questo film è ciò che lo ha consacrato e lo ha reso famoso in tutto il mondo: la colonna sonora composta dal maestro Ennio Morricone. All'interno di quest'ultima è presente un brano celeberrimo, drammatico, soave, melodioso, poetico, intramontabile: Gabriel's Oboe. Questo brano (il mio preferito, tra quelli che ha composto Ennio) è uno dei tre temi che si trova all'interno del film: il tema religioso, il tema spagnolo (Gabriel's Oboe, appunto) e il tema guaranì. Questi tre temi si uniscono nel brano che accompagna i titoli di coda del film, On Earth as it is in Heaven, in una sintonia poeticamente magica e dando origine a una melodia piena di passione e maestosità. Morricone, grazie a questa colonna sonora, ricevette una candidatura al Premio Oscar, che tuttavia non riuscì a vincere. Ma questo non impedì a Gabriel's Oboe di diventare una delle opere più famose e più amate di Ennio Morricone. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://youtu.be/wjcmrmA3Buk" target="_blank">https://youtu.be/wjcmrmA3Buk</a> 
 
Ci terrei anche a farvi ascoltare Gabriel's Oboe, sperando vivamente che vi faccia piacere e che possa invogliarvi a guardare il film, come ha fatto con me: 
<a href="https://youtu.be/lArnKBTe82I" target="_blank">https://youtu.be/lArnKBTe82I</a>

★ Recensione n. 10 ★

C’ERA UNA VOLTA IL WEST 
C’era una volta il west di Sergio Leone con Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda e Jason Robards; Italia, 1968; colori; 165’ (2h 45 min); western. 
Brett McBain, vedovo di origini irlandesi, vive con i figli nel deserto del Kansas. Qui spera di essere felice insieme alla sua seconda moglie, Jill, ex prostituta, che sta per arrivare da New Orleans. Ma poco prima dell’ arrivo di quest’ultima alla stazione, Brett e la sua famiglia vengono massacrati da un gruppo di banditi che vogliono impossessarsi della proprietà in cui vivono: Sweetwater. 
 
Nell'immaginaria città di Sweetwater, dove è presente l'unica sorgente d'acqua del territorio, il proprietario Brett McBain sogna la costruzione della ferrovia per le locomotive a vapore che attraverserà il continente; il suo concorrente, il paralitico Morton, vuole ostacolarlo e invia il sicario Frank per dissuaderlo dall'impresa, ma il killer uccide McBain e i figli, cercando di far ricadere la colpa sul bandito Cheyenne. 
Da New Orleans arriva l'ex prostituta Jill, che rivela di essere la moglie di McBain e rivendica la proprietà su Sweetwater, mentre il pistolero Armonica è sulle tracce di Frank per motivi non specificati. Quando capiscono che Frank vuole uccidere anche Jill, unica erede del territorio, Armonica e Cheyenne decidono di allearsi per proteggerla. 
 
“C’era una volta il west” è il primo film della famosissima “Trilogia del tempo” diretta da Sergio Leone (gli altri due film sono “Giù la testa” e il capolavoro “C’era una volta in America”). Dopo aver concluso la Trilogia del dollaro (composta da “Per un pugno di dollari”, “Per qualche dollaro in più” e da “Il buono, il brutto, il cattivo”) il regista si era deciso a non girare più film western, ma cambiò idea quando gli si presentò l’occasione di dirigere una pellicola con Henry Fonda, il suo attore preferito. 
Nonostante la lunghezza del film, la trama di quest’ultimo non annoia lo spettatore nemmeno per un attimo (anche se bisogna fare molta attenzione ai dialoghi e a non perdere nessuna informazione, altrimenti non si capisce più nulla). I personaggi sono ben caratterizzati, gli attori bravissimi (viene giustamente ricordata la magistrale performance di Claudia Cardinale, interprete di Jill), le location meravigliose (è il primo e unico western di Leone ad essere stato girato negli Stati Uniti) e non si può non menzionare l’elemento che ha consacrato questo magnifico lungometraggio e lo ha reso immortale: la celebre colonna sonora composta dal Maestro Ennio Morricone. Essa è caratterizzata da un tema ricorrente più volte all’interno del film (un leitmotiv), il famoso “tema di Jill”, accompagnato dalla soave voce da solista della cantante Edda Dell’Orso. Anche gli altri personaggi possiedono un proprio leitmotiv: per esempio quello di Armonica, interpretato da Charles Bronson, è caratterizzato da una cupa serie di note musicali suonate da un’armonica ogni volta che egli entra in scena. Insomma: questo film è un capolavoro, così come la colonna sonora che accompagna le sue scene, capace di portare alla commozione lo spettatore, come ogni altro singolo brano composto da Ennio. 
Durante la lavorazione di questo film, Leone fu assistito da due apprendisti che in seguito diventeranno registi conosciuti in tutto il mondo: Bernardo Bertolucci (celebre per “Ultimo tango a Parigi”, “Novecento”, “L’ultimo imperatore”) e il maestro dell’horror all’italiana, ossia Dario Argento (“Profondo rosso”, “Suspiria”, “L’uccello dalle piume di cristallo” ecc.). 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=xTsbuHA5XqE" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=xTsbuHA5XqE</a>

★ Recensione n. 9 ★

VELLUTO BLU 
Velluto Blu (Blue Velvet) di David Lynch con Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper e Laura Dern; USA, 1986; colori; 120’ (2h); noir. 
Il giovane Jeffrey denuncia alla polizia di aver trovato un orecchio nel prato vicino a casa; insieme a Sandy, la figlia del tenente per la quale ha preso una cotta, comincia a indagare sulla faccenda. 
 
Il giovane studente Jeffrey Beaumont torna nella città natale di Lumberton dal collegio di Oak Lake per assistere il padre, colpito da un malore. Di ritorno dall'ospedale, il ragazzo attraversa un terreno abbandonato e lì, in mezzo all'erba, trova un orecchio umano mozzato. Dopo aver denunciato l’accaduto al detective Williams, Jeffrey conosce la figlia di lui, Sandy, assieme alla quale comincia a indagare. I loro sospetti ricadono su una giovane cantante che abita in un condomino poco lontano dalla casa dei Williams, Dorothy Vallens. Una sera dunque Jeffrey si intrufola nella casa della donna, ma quest’ultima lo sorprende e lo minaccia con un coltello. Quando sente bussare alla porta, gli intima di nascondersi nell’armadio e Jeffrey obbedisce. Nell’appartamento entra un uomo, Frank Booth, un pericoloso criminale pervertito e drogato che ha con Dorothy un morboso rapporto di sesso e violenza. Dopo aver assistito ad una scena di stupro da parte di Frank verso la cantante, Jeffrey capisce che il vero artefice della faccenda su cui sta indagando e proprio quell’uomo, e si pone l’obbiettivo di salvare Dorothy dalle sue perversioni e il marito e il figlio della cantante, rapiti da Frank in precedenza poichè ossessionato dalla Vallens. 
 
Conoscevo già David Lynch prima di guardare Velluto blu, sapevo che era rinomato per i suoi film dagli elementi grotteschi e quasi inquietanti, di conseguenza credevo di sapere a cosa andassi incontro prima di vedere questo film, pensavo che ciò che ci fosse al suo interno non mi avrebbe impressionato più di tanto. Mi sbagliavo. Sono presenti diverse inquadrature che mi hanno suscitato un senso di disgusto (come la scena dello stupro di Dorothy o nella sequenza di apertura, quando appare un primo piano su una moltitudine di insetti). In alcuni momenti, mi è capitato di ragionare nella mia testa e domandarmi “Cosa cazzo sto guardando?”. Ma, nonostante tutto, il film è molto bello, la trama è scorrevole, i personaggi sono molto ben caratterizzati e l’interpretazione di Isabella Rossellini è fantastica. Ciò che mi è piaciuto particolarmente sono la sequenza iniziale e la sequenza finale: le inquadrature sono le stesse, e trasmettono un senso di pace e tranquillità nello spettatore. Penso che nella scena finale le inquadrature siano uguali a quelle dell’inizio perchè, dato che esse suscitano un sentimento di calma, di tranquillità, di quiete che caratterizza le piccole cittadine americane come quella presente in Velluto blu, ci fanno capire che ormai non c’è più motivo per essere disgustati o spaventati dagli avvenimenti agghiaccianti avvenuti nel corso della storia: il male è stato sconfitto e la pace è tornata. In quella iniziale, invece, ci viene presentata una cittadina calma e tranquilla, dove nessuno si aspetterebbe che al suo interno ci possano vivere e agire dei criminali, ma questi pensieri vengono completamente stravolti quando entra in scena l’orecchio mozzato, suggerendoci che il film non è ambientato nel paese pacifico e gradevole che ci era stato presentato solo pochi minuti prima: esso, infatti, come ogni altra città del Mondo, ha i suoi lati oscuri. Per questo motivo penso che quella di Velluto blu sia una delle scene iniziali più geniali della storia del cinema. 
 
Sconsiglio la visione di questo film ad un pubblico facilmente impressionabile. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=pTQqbdYdeVM" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=pTQqbdYdeVM</a>

★ Recessione n. 8 ★

EVITA 
Evita di Alan Parker con Madonna, Antonio Banderas, Jonathan Pryce e Jimmy Nail; USA, 1996; colori; 123’ (2h 15 min); musical/biografico. 
Il film è tratto dall'omonimo musical di Andrew Lloyd Webber e racconta la vita della first lady dell’Argentina Eva Peron, moglie del presidente Juan Peron. 
 
Argentina. Eva Duarte è la figlia illegittima di un borghese i cui parenti non la accettano come tale. Ella, allora, all’età di 18 anni, convince il celebre cantante Agustin Magaldi di portarla con sé a Buenos Aires; qui, frequentando diversi uomini che lavorano nel mondo dello spettacolo, riesce a fare carriera come attrice radiofonica, teatrale e cinematografica. La sua fama cresce così tanto che una sera, durante un concerto di beneficenza per ricavare il denaro necessario al fine di aiutare la popolazione di San Juan, colpita da un terremoto, viene riconosciuta dal colonnello Juan Peron, che si invaghisce di lei e la sposa. Quando diventa presidente, Peron assieme a sua moglie Eva (affettuosamente soprannominata dal popolo dell’Argentina “Evita”) cerca di diffondere il peronismo, un movimento rivoluzionario nazional-populista. 
Tutta la vicenda è raccontata sotto il punto di vista di Che, un argentino rivoluzionario che non condivide le idee politiche di Evita e suo marito. 
 
All’interno di questo film i dialoghi sono inesistenti: tutto è interamente interpretato dalle canzoni. Vale la pena vedere questo film per l’eccezionale musica di Webber (e anche per la canzone “You must love me”, composta appositamente per la versione cinematografica del musical), per la trama e per il modo in cui essa viene raccontata e per l’interpretazione di Madonna, la cui performance della canzone “Don’t cry for me, Argentina” è, a mio parere, la migliore rispetto a tutte le altre interpretazioni. Un fatto molto interessante è che il film venne girato in alcuni dei luoghi dove visse realmente Eva Peron (come il balcone della Casa Rosada di Buenos Aires per le scene dei discorsi di Evita e Juan): per fare ciò, Madonna incontrò di persona il presidente dell’Argentina Carlos Menem e lo convinse ad utilizzare la Casa Rosada, che era la residenza presidenziale, per le riprese del film. 
 
Come sempre, se siete interessati alla visione vi lascio il link del trailer qui sotto: 
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=KLzy3r3KW_c" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=KLzy3r3KW_c</a>